James Maher (Hazel) is a researcher, composer and sound-artist. In 2020, he graduated with a M. Mus (Composition) from the Sydney Conservatorium of Music. James’ research is concerned with the politics of sound, site and place, as well as the latent rituals we encounter in the realm of musical activity and socio-cultural production. Currently, he is investigating the complex relationship between the conditions of social-class, creativity, and participation within Australia’s broader arts and music cultures. James’ written work has been published in Resonate Magazine, Rehearsal Magazine, Limelight, and ADSR Zine. He has participated in various conferences and festivals such as Noisefloor (Staffordshire University, UK), Arts Incubator (Global Week, Seoul), and the International Dance Festival of Burgundy.

Heft 10

Ausgabe 10 - Oper_Musik_Theater

August 2021

ISSN 2191-253X

Download pdf

Practicing Between Categories: A Hermeneutics of Ritual-like New Music

von James Maher

Zusammenfassung.

Musiktheater, das seine formalen und wirkungsästhetischen Charakteristika aus dem Ritual ähnlichen Strukturen bezieht, ist aus den Musiktheaterentwicklungen der 1960er Jahre hervorgegangen.  Nach dem Musikwissenschaftler Anthony Sheppard (2001) greifen Komponist*innen im ritualhaften Musiktheater auf Materialien zurück, die aus spezifischen „kulturellen, rituellen oder religiösen Quellen“ stammen, und adaptieren sie kompositorisch innerhalb dramaturgischer Erzählungen. Der Aufsatz problematisiert Sheppards Definition, der eine theoretische Begründung fehlt, warum und wie Komponist*innen dieses Stils ihre Kompositionen ritualisieren. Davon ausgehend werden zwei Werke untersucht, die jenseits von Sheppards Charakterisierung innerhalb des liminalen, dazwischen liegenden stilistischen Raums stehen, der aus der amerikanischen und europäischen experimentellen Kunstmusik hervorgegangen ist.  Pauline Oliveros’ Sonic Meditations (1971) und Julian Days Super Critical Mass Project (2007-) sind zwei verwandte Werke dieser Art. Beide bewegen sich in der Schnittmenge von Theater, Neuer Musik und Performance-Kunst und setzen auf Textpartituren anstelle von traditioneller Notation. Im Gegensatz zu den Kompositionen, die Sheppard in Revealing Masks untersucht, ähneln diese Werke ästhetisch eher ritualisierten Formen des experimentellen Theaters (wie Jerzy Grotowskis „Armen Theater“) und der ritualisierten Performancekunst der 1960er Jahre. Diese Diskrepanz wird dadurch verstärkt, dass Sheppards Charakterisierung auf eine bestimmte Form des groß angelegten, ästhetisch anspruchsvollen Musiktheaters zutrifft. Deshalb ist es entscheidend, diese Lücke zu schließen und adäquate Begriffe zu entwickeln, um Werke wie diese besser zu verstehen. Durch eine induktive, multidisziplinäre, hermeneutische Methodik und unter Rückgriff auf wichtige Theorien der Performance Studies (Richard Schechner, Victor Turner) und der Ritual Studies (Catherine Bell, Ronald Grimes) zur Ritualisierung zeigt dieser Aufsatz auf, warum die beiden behandelten Werke ritualähnlich sind, indem er zu einem erweiterten Verständnis des Paradigmas des ritualisierten Musiktheaters beiträgt.

Abstract

Ritualised music theatre emerged from the music theatre developments of the 1960s.  According to the musicologist Anthony Sheppard (2001), within ritualised music theatre, composers draw upon materials derived from specific “cultural, ritual or religious sources” and adapt them compositionally within dramaturgical narratives.1 The proposed paper will problematise Sheppard’s stylistic definition, which lacks a theoretical justification as to why and how composers of this style ritualise their compositions — and, from this, examine two works that exist beyond Sheppard's characterisation, within the liminal, in-between stylistic space that emerged from American, and European experimental art music.  Pauline Oliveros' Sonic Meditations (1971), and Julian Day’s Super Critical Mass Project (2007-ongoing) are two related works of this nature. Both sit in the intersection of theatre, new music, and performance art, and rely on text-scores, instead of traditional notation. Moreover, rather than the compositions Sheppard examines in Revealing Masks, these works bear a closer aesthetic semblance to ritualised experimental theatre forms (such as Jerzy Grotowski's “poor theatre”2) and post-1960s ritualised performance art.  This disparity is amplified because Sheppard's characterisation applies to a particular form of larger-scale, aesthetically ambitious music theatre. This is why it is crucial to address this gap and develop a lexicon to better understand both works. Through an inductive, multidisciplinary, hermeneutic methodology, and by drawing upon key performance studies (Richard Schechner, Victor Turner) and ritual studies (Catherine Bell, Ronald Grimes) theories of ritualisation,3 this essay will plausibly demonstrate why the two works are ritual-like, by contributing to an expanded understanding of the ritualised music theatre paradigm.